13 abril, 2018

Las mejores bandas sonoras de 2018 (1ª Parte)

Como hemos realizado durante el año pasado, comenzamos aquí nuestro repaso a las mejores bandas sonoras publicadas durante 2018, enfocándonos en el primer trimestre que acaba de terminar. Esta es la música de cine que nos parecen más interesantes.

The strange ones - Brian McOmber
Wayfind Records  5 / 1/ 2018

Esta película independiente sorprende por ese minimalismo que adopta el director a la hora de mostrarnos las imágenes. Aventura solitaria de dos personajes que parecen huir de algún hecho misterioso, la cinta de Christopher Radcliff y Lauren Wolkstein consiguió finalmente estrenarse el pasado mes de enero ras pasar durante casi un año por diferentes festivales norteamericanos. El trabajo musical de Brian McOmber, compositor especialista en bandas sonoras con cierto aire desasosegante, como las excelentes It comes at night (2017, Milan Records) y Krisha (2016, Lakeshore Records), deambula también por este cierto sentido minimalista de las imágenes, describiendo con un espléndido tema principal, interpretado por una solitaria flauta, envolvernos en ese ambiente enigmático que acompaña a los dos personajes principales. Esa melodía solitaria se transforma en sonidos sintetizados cuando la banda sonora se separa de los protagonistas y se centra más en el entorno que les acompaña, adquiriendo un tono de mayor inquietud si cabe, cercano al cine de terror, que tiene cierto aire al trabajo de Angelo Badalamenti para Twin Peaks (ABC, 1990-1991) y adquiriendo también momentos de experimentación como en "The stand off". A pesar e su corta duración, solo 22 minutos, la banda sonora de The strange ones (Christopher Radcliff, Lauren Wolkstein, 2017), es un excelente trabajo que confirma a Brian McOmber como uno de los compositores más interesantes del momento.

Una mujer fantástica - Matthew Herbert
Milan Records  5 / 1 / 2018

La película chilena de Sebastián Lello ha sido uno de los títulos más destacados del año pasado, desde su presentación en el Festival de Berlín, ganadora del Premio Goya a la Mejor Película Latinoamericana y del Oscar a la Mejor Película de Habla no inglesa. Pero hasta este mes de enero no se ha publicado oficialmente su banda sonora, compuesta por el conocido músico inglés, experimentado en la creación de sonoridades electrónicas tanto como autor autónomo como en bandas sonoras para diversos géneros artísticos. Entre ellos, el cine, con escasas pero interesantes incursiones como la película española Vida y color (Santiago Tabernero, 2005). Para este film chileno, el compositor ha creado una propuesta menos electrónica de lo que suele ser habitual en él, aunque hay algunos elementos propios de su estilo, pero sobre todo destaca en esa apertura orquestal con la que se abre la banda sonora, excelente motivo musical que tiene también cierto aire de misterio, pero sobre todo de esa zozobra vital que iremos viendo cómo acompaña a la protagonista a lo largo de la historia. Es un tema hermoso, que se desarrolla en otras variantes no menos interesantes, como en "Fountain". La flauta, como en la banda sonora anterior, también tiene protagonismo en ésta, aquí como trasunto de la soledad que vive el personaje principal, especialmente en temas como "Hospital" o "Taxi".

Phantom Thread - Jonny Greenwood
Nonesuch Records  12 / 1 / 2018

El guitarrista de Radio Head, envuelto en la música de cine desde hace algunos años, especialmente con sus colaboraciones con el director Paul Thomas Anderson, consiguió su primera nominación al Oscar con este complejo trabajo musical. Aunque, a pesar de ser la banda sonora que posiblemente más mereciera el premio de la Academia de Hollywood, Jonny Greenwood ni siquiera promocionó su nominación ni acudió a la ceremonia. Esta incursión en la música romántica, con influencias de aquella excelsa grabación de Glenn Gould, Bach: The Golden Variations (1956, Columbia Records), se convierte en uno de los más elaborados y perfectos trabajos del compositor, aupado gracias a una historia repleta de contradicciones formales: aunque se trata de una historia de amor, no es una película romántica, ni lo son sus protagonistas. Es más, el propio tema principal "Phantom thread", sobre el que pilota buena parte de la banda sonora, tiene un cierto aire oscuro, que nos presenta una atmósfera casi vampírica, en esa fusión de romanticismo y obsesión que envuelve a toda la película. El piano es uno de los principales protagonistas, y es en esos temas reposados, como "Alma" o la variación "Phantom thread II", en los que encontramos una influencia más clara de Glenn Gould y su album de debut. Son precisamente estas cuatro variaciones del tema principal las que otorgan a la banda sonora de una prestancia sublime, envuelta en otros precisos momentos musicales en los que Greenwood juguetea con las sonoridades de barrocas, como en "Barbara Rose".

Psi - Alexis Maingaud
Alexis Maingaud  12 / 1 / 2018

El director de este documental, Olivier Wright, propone un experimento entre la ficción y la realidad con él como principal protagonista, planteándose la posibilidad de cómo hubiera sido su vida si hubiera tomado cuatro caminos diferentes. Así, rodado durante cuatro años en ciudades como París, Londres, Jerusalén, Helsinki y Los Angeles, gracias a la colaboración de amigos y familiares, este documental nos traslada una mirada casi filosófica en torno a nuestra existencia. Para subrayar esta idea que deambula entre momentos de ficción y entrevistas a expertos en la psicología y la sociología, el compositor Alexis Maingaud, creador sobre todo de bandas sonoras para documentales y cortometrajes, consigue elaborar una partitura minimalista que contiene momentos de auténtica delicia, como ese hermoso "Regrets", en el que se dan la mano el piano y el violín como instrumentos solistas. Se trata en general de una melódica creación con sonoridades etéreas en las que el músico camina por ese complicado trayecto en torno a la psicología humana, aquí patente sobre todo gracias a la utilización de voces corales presentes en los momentos en los que la narración nos propone una lectura más filosófica, como "The ways of the Universe", pero sobre todo en esa épica conclusión, "Free", que sostiene precisamente la principal razón temática del documental: ese libre albedrío teórico que sin embargo no parece posible.  

The mercy - Jóhann Jóhannsson
Deutsche Grammophon  2 / 2 / 2018

El repentino fallecimiento del compositor islandés Jóhann Jóhannsson se produjo a tan solo unos días de la publicación de una de sus últimas bandas sonoras, para este drama dirigido por James Marsh y protagonizado por Colin Firth y Rachel Weisz. Este mes de abril se ha editado su último trabajo, el inacabado Maria Magdalena (Garth Davis, 2018), pero resulta menos efectiva y en cierto más impersonal que la que nos ocupa. En términos de estilo musical, The mercy (James Marsh, 2017) supone un (lamentablemente temprano) cierre certero a sus trabajos, también en el terreno autónomo. Porque contiene, al margen de ese aire de melancolía que esta presente en toda la banda sonora, algunos de los elementos habituales en otras composiciones del músico islandés. Aunque al principio no parece demasiado interesante, y no aporta grandes hallazgos, conforme avanza el álbum (y la narración), The mercy empieza a desgranar esa tonalidad apagada, pero brillantemente misteriosa, que se va apoderando de toda la composición, en temas como "A sparrow alighted upon our shoulder", y especialmente en la pieza de piano "Good morning, midnight". Pero decimos lo de cierre efectivo porque en The mercy Jóhann Jóhannsson se autoreferencia, reinterpretando temas de anteriores bandas sonoras, como los documentales Copenhagen Dreams (Max Kestner, 2010), un soberbio retrato de la ciudad en la que estuvo afincado durante mucho tiempo el compositor, o Free the mind (Phie Ambo, 2012). Y en cierta manera hay también elementos de su último disco de música autónoma, el magnífico Orphée (2017, Deutsche Grammophon), en esa utilización de la voz narrativa (en español) como instrumento solista en "The radiant city", que tiene evidentes reminiscencias de "A song for Europe", así como en la utilización de la Air Lyndhurst String Orchestra.

Abe & Phil's last poker game - Steven Argila
Lakeshore Records  9 / 2 / 2018

El compositor Steven Argila tiene una extensa carrera en el mundo del cine, aunque principalmente en proyectos cinematográficos que no han trascendido comercialmente. Curtido en la diversidad de géneros, se mueve con soltura tanto en la comedia como en el drama, y entre sus últimos trabajos se encuentra la comedia musical Basmati blues (Dan Baron, 2017), protagonizada por Brie Larson y Donald Sutherland. La banda sonora que nos ocupa también se encuentra en el género de la comedia, y es un hermoso tributo musical al actor Martin Landau, para el que éste fue uno de sus últimos trabajos antes de morir. En tándem con Paul Sorvino, Abe & Phil last poker game (Howard Weiner, 2017) se construye en torno a dos personajes cuyas vidas aparentemente nunca se cruzarían a no ser porque se encuentran en la misma residencia de ancianos. Con un estilo que nos recuerda en muchos momentos a las incursiones en el género de Thomas Newman, Steven Argila consigue crear una agradable mezcla entre melodías breves pero de gran efectividad, con ese tono de comedia que requiere la historia. E introduce igualmente elementos de resonancia clásica, en "Jokes freak out", como intensos momentos emocionales en temas como "Abe tells Angela about Patricia", reposados en su mayor parte sobre un tema principal que cohesiona con acierto todo el conjunto. En su contra debemos advertir que los títulos de las composiciones revelan buena parte del desarrollo y desenlace de la historia, así que casi es preferible acercarse a la grabación una vez se haya visto la película.

Cargo - Liesa Van der Aa
De Wereldvrede  16 / 2 / 2018

La compositora Liesa Van der Aa es uno de los nombres más interesantes de la escena musical belga. Desde su debut con el álbum Troops (2012, Volvox Music) sentó las bases de un estilo personal que introducía instrumentos barrocos entre sonidos de rock, estilo que se desarrolló en el recomendable triple disco Woth (2014, Volvox Music), una historia basada en una ceremonia del antiguo Egipto presentada en 3 capítulos-discos: uno de música electrónica, otro de estilo barroco y un tercero más cercano al pop. Para la película Cargo (Gilles Coulier, 2017), que se proyectó en el pasado Festival de San Sebastián, Liesa Van der Aa construye una oscura banda sonora en la que predomina la ambientación claustrofóbica sobre la creación melódica. En este sentido resulta perfecta para esa atmósfera opresiva que envuelve a la disfuncional familia protagonista de este drama, resultando especialmente logrado ese tono casi de ensueño que encontramos en los temas interpretados por el cuarteto de cuerda Zerkalo Quartet, como "A truckers deal". Liesa Van der Aa cuenta con la colaboración de Matthias Hillegeer en la introducción de esas sonoridades electrónicas que acompañan en ese monotonía existencial que muestra la película, y es hipnótica en composiciones oscuras y etéreas como "Poor Robert".

Le jeune Karl Marx - Alexeï Aïgui
The Orchard  23 / 2 / 2018

Otro de los nombres que nos ha sorprendido en los últimos años es Alexeï Aïgui, violinista y compositor ruso que, aunque ha trabajado en varias producciones cinematográficas, destacó especialmente el año pasado con su trabajo para el documental nominado al Oscar I am not your Negro (Raoul Peck, 2016), director con el que vuelve a colaborar en esta crónica de ficción en torno a los años de estudiante de un joven Karl Marx en su exilio europeo entre París, Londres y Bruselas. Alexeï Aïgui nos propone una banda sonora ecléctica, con un certero manejo de una amplia base orquestal que le proporciona la Russian State Symphony Cinematic Orchestra, intérprete de la misma.  Y aunque se trata de un drama con una cierta mirada introspectiva, la composición musical tiene un cierto aire de épica que otorga al protagonista ese aire de futuro personaje transcendental, a pesar de contarnos sus años de formación y primeras incursiones en la política. Pasajes como "Naissence de Laura - Lettres" son de una gran belleza y de una consistencia melódica sobresaliente, mientras que otros de estructura más elaborada, como el espléndido "Critique De La Critique Critique", con ese ostinato creciente, nos acercan a una mirada más amplia del entorno social en el que se desarrolla la historia. Sin duda, Alexeï Aïgui se nos muestra como un perfecto creador de una narrativa musical construida en torno a complejas estructuras melódicas, especialmente destacable en temas ese épico "Le manifeste", con el que se cierra la banda sonora.

Annihilation - Geoff Barrow, Ben Salisbury
Lakeshore Records  23 / 2 / 2018

Tras su interesante incursión en el género de ciencia-ficción con Ex-machina (Alex Garland, 2014), el director ha regresado al género con esta nueva película que cuenta de nuevo con la colaboración del tándem formado por Geoff Barrow y Ben Salisbury. Se trata de los dos músicos que mejor saben en la actualidad crear atmósferas oscuras e inquietantes, gracias a la utilización de instrumentaciones que en ocasiones resultan sorprendentes. De nuevo, ambos compositores crean una ambientación musical que supone de hecho una especie de continuación sonora de su trabajo para Ex machina, porque de hecho la película podría considerarse también como tal. Y esta creación atmosférica, en la que los pasajes melódicos están ausentes casi por completo, se construye en base a elementos electrónicos manejados con precisión. Recomendamos especialmente disfrutar de la edición Deluxe que incluye dos discos publicada hace unos días, en la que encontramos una visión más clara del trabajo de ambos músicos, con la incorporación de nuevos temas que completan la banda sonora. No cabe duda que el soporte de esta inteligente creación lo encontramos en ese magnífico pasaje de doce minutos titulado "The Alien", oscuro y épico al mismo tiempo, pero no se pueden perder otros espléndidos hallazgos como el breve pero intenso "Shimmer reveal", o ese ligero apunte de humanidad en forma de guitarra que encontramos en "In all of us", una de las escasas concesiones a la narrativa melódica.

Red sparrow - James Newton Howard
Sony Classical  2 / 3 / 2018

Ciertamente es una pena que la gira de conciertos que James Newton Howard iba a protagonizar el año pasado tuviera que suspenderse, en buena parte por la insuficiente venta de entradas. Porque estamos ante uno de los grandes compositores de las últimas décadas con una carrera tan prolífica que, obviamente, incorpora trabajos decepcionantes, pero al mismo tiempo nos ofrece cada temporada al menos dos grandes bandas sonoras. Es el caso de Gorrión rojo (Francis Lawrence, 2018), una irregular película de espías protagonizada por Jennifer Lawrence, que nos ofrece la mejor versión de James Newton Howard, aquí elaborando una magnífica banda sonora de corte clásico, creada casi como si se tratara de una pieza de concierto, que comienza con una espléndida "Overture" de 12 minutos, perfecta en su estructura y ejecución, que en realidad no es estrictamente una obertura, sino que acompaña a la protagonista en vida cotidiana y sus ensayos como bailarina. Esta cobertura vital de la espía permite a James Newton Howard elaborar los pasajes más clásicos, mirándose en la excelencia melódica de compositores rusos como Prokofiev o Tchaikovsky, como en el excelso tema "Didn't I do well?", previo al magnifico "End Title". Precisamente, la excelencia en la ejecución está marcada también por la presencia del director de orquesta Esa-Pekka Salonen, dirigió tanto la "Overture" como este "End Title", otorgando si cabe una fuerza especial a las composiciones. Al margen de esta faceta "clásica", el resto de la banda sonora no desmerece en absoluto, siendo además James Newton Howard uno de los mejores músicos que mejor maneja los resortes del género de thriller, con espléndidos ejemplos tras sí. Y en algunos pasajes tiene un cierto aire a Bernard Herrmann, como en "Can I trust you?", que tiene un sonido muy "hitchcockiano", generando grandes momentos de suspense.

Max and me - Mark McKenzie
Sony Classical  9 / 3 / 2018

La productora mexicana Dos Corazones se ha especializado en producciones de animación de carácter apostólico, primero con El gran milagro (Bruce Morris, 2011) y ahora con Max and me (Bruce Morris, 2018), siempre con una visión internacional, dobladas directamente al inglés. En este último caso, el guión conecta una trama contemporánea con la historia real de San Maximiliano Kolbe, sacerdote polaco que murió en el campo de concentración de Auschwitz. Una de las facetas más destacables en ambas producciones es la banda sonora creada por el compositor norteamericano Mark McKenzie, colaborador de Danny Elfman o James Newton Howard. Podríamos considerar ambos trabajos como complementarios, y de hecho hay en algunos pasajes de la segunda claras referencias a la narrativa melódica de la primera, en especial en temas como "A mother's prayer". Pero sin duda encontramos un salto cualitativo en Max and me, no solo por la presencia del violinista Joshua Bell en algunos momentos, como en ese hermosísimo "I love you", que anteriormente encontramos desarrollado en forma orquestal y coral en el doloroso "Auschwitz cries", con el que directamente se nos hace un nudo en el estómago cada vez que lo escuchamos. Se trata de uno de los mejores trabajos musicales de este año, que consolida a Mark McKenzie como uno de los músicos más sobresalientes del momento, aunque lamentablemente relegado a producciones poco destacables. Esa capacidad de otorgar luminosidad y esperanza en un contexto violento y trágico es sin duda uno de sus principales aciertos, representado en el también soberbio "Triumph over fear".



30 diciembre, 2017

Documentales camino del Oscar 2018

Ya hemos repasado algunos de los documentales que formaban parte de esa lista de producciones presentadas para los premios de la Academia de Hollywood. Pero la Academia ya ha dado a conocer la shortlist que incluye los 15 largometrajes que finalmente tienen opciones para conseguir una nominación. En este último post dedicado a los largos documentales incluimos nuestros comentarios sobre los precandidatos, algunos de ellos ya presentes en nuestros repasos anteriores. 

Abacus: Small enough to jail (2016)
Steve James
EE.UU.

El director Steve James es uno de los nombres más reconocidos del género documental, responsable de títulos de obligada visión como Hoop dreams (Steve James, 1994), que fue nominado al Oscar. Su última película es una mirada irónica hacia las consecuencias de la crisis económica en su país, a través de uno de los hechos más incongruentes que se vivieron en los Estados Unidos. Mientras la mayor parte de los grandes bancos que participaron en la burbuja que provocó la crisis no tuvieron consecuencias penales, la única entidad que sí fue perseguida con posibles penas de cárcel para sus responsables fue el Abacus, un pequeño banco familiar cuyos clientes eran principalmente los habitantes del barrio chino de Nueva York que se vio envuelto en una causa penal de miles de dólares que trató de humillar y utilizar como ejemplo a sus directivos. Realizado con talento, este documental nos presenta una realidad que se ha venido haciendo palpable aún más con el paso del tiempo, y es la incapacidad del gobierno norteamericano para hacer frente a los grandes consorcios económicos, poniendo su mirada en víctimas más frágiles. La estructura asemeja a cualquier película de ficción del subgénero judicial, y para aquellos que no conocíamos bien esta historia consigue mantener la tensión hasta el final. No está a la altura de otros trabajos de Steve James, pero es uno de sus mejores incursiones en el documental, que también produce uno de los cortometrajes candidatos a los Oscar, el emotivo Edith+Eddie (Laura Chekoway, 2017).


Chasing coral (2017)
Jeff Orlowski
EE.UU.

Un ejemplo bien diferente de documental centrado en la naturaleza, pero que en este caso consigue incluso emocionarnos viendo las imágenes de la muerte de numerosas masas de coral es esta producción de Netflix que, a pesar de su título, no es exactamente una continuación de aquel Chasing ice (Jeff Orlowski, 2012) que consiguió una nominación al Oscar a Mejor Canción, aunque no logró estar en la terna de finalistas en su categoría principal. Este proyecto llegó a las manos del director a través de dos especialistas en el mundo de los corales que, tras ver aquella producción, decidieron contactar con él para que pusiera en imágenes su proyecto de difusión de la peligrosa desaparición de los arrecifes de corales provocados por el calentamiento progresivo de los océanos. Siendo submarinista, el propio Jeff Orlowski se implicó de lleno en el proyecto, y consigue capturar impresionantes imágenes de los corales vivos, hermosos complejos de miles de colores, pero también de su progresiva destrucción, llegando incluso a emocionarnos con ellas, sin recurrir a una narración sentimental, sino solo con el poder las imágenes. Es uno de los aciertos de este documental, que muestra con solidez las devastadoras consecuencias del calentamiento global.  

City of ghosts (2017)
Matthew Heidemann
EE.UU.

Una vez más estamos ante un interesante documental en torno a la guerra en Siria, ahora centrado en un grupo de activistas en contra del ISIS que surgió en Raqa, una de las primeras ciudades tomadas por el Estado Islámico, aparentemente para unirse a la revolución contra el régimen de Bashar al-Ásad, pero realmente para sembrar su estado de terror y represión. Hace unos días, el ISIS perdía su último feudo en Siria, huyendo al desierto, pero durante años tanto Raqa (Siria) como Mosul (Iraq) fueron sus principales bastiones de resistencia. Matthew Heidemann, nominado al Oscar por aquel espléndido recorrido a través del contrabando de drogas en la frontera entre México y Estados Unidos que fue Cartel Land (Matthew Heidemann, 2015), tan contundente como cualquier película de ficción, es el encargado de acompañar a un grupo de activistas que recibieron el Free Press Award en 2015, formado por jóvenes originarios de Raqa que, en su mayor parte, tuvieron que huir a Turquía o Alemania para, desde allí seguir difundiendo el régimen de terror que se vivía en su ciudad. Producido por Amazon, es un documental duro, que no escatima en imágenes impactantes habitualmente ausentes de los medios de comunicación. Pero sobre todo resulta doloroso asistir a ese sentimiento de rabia e impotencia que tienen sus protagonistas, como en esa escena en la que dos de ellos ven un video en el que se muestra la ejecución de su padre. El director consigue dotar a la película de la tensión y el drama necesarios para atrapar al espectador en una historia rodeada de violencia y de amenazas. Destaca también el trabajo musical de Jackson Greenberg y H. Scott Salinas, preciso y notable en su ejecución.


Ex Libris: New York Public Library (2017)
Frederick Wiseman
EE.UU.

Este año la lista de películas con posibilidades para las nominaciones al Oscar parece un homenaje a algunas figuras relevantes del género documental no reconocidas adecuadamente por la Academia de Hollywood: es el caso de la directora francesa Agnès Varda o del nonagenario director Frederick Wiseman, a quien al menos en la pasada edición de los Oscar le concedieron un Premio honorífico. Ganador de tres Emmys por sus producciones documentales y de galardones en festivales de todo el mundo, Frederick Wiseman es toda una institución que este año también se ha querido adentrar en otra institución, la Biblioteca Pública de Nueva York, con un trabajo que ganó el Premio FIPRESCI en el pasado Festival de Venecia y le ha dado también el Critics Choice Documentary Award como Mejor Director.  Este documental es todo un homenaje al riguroso trabajo que se realiza en la Biblioteca de Nueva York, y en general en todas aquellas instituciones que preservan el conocimiento literario, y cuenta con apariciones excepcionales como las de Patti Smith o Elvis Costello discutiendo sobre sus proyectos literarios. Ejemplo de estructura documental, conciso y certero, podría ser una de las películas nominadas al Oscar este año. 

Human flow (2017)
Ai Weiwei
Alemania

El artista chino Ai Weiwei firma esta mirada a los campos de refugiados a lo largo del planeta que, por supuesto, produce desde un país europeo, no desde su China natal, que lo ha mantenido arrestado durante cierto tiempo. El ahora director siempre ha estado especialmente sensibilizado con el drama de los refugiados, como en la instalación titulada Sunflower Seeds, en la que amontonaba cien millones de semillas de girasol de porcelana pintadas a mano por un centenar de artistas, y cada una con una particularidad diferente, aunque en conjunto parecieran todas iguales. En este sentido, Human flow funciona también como una obra que se aleja de las cifras en general de millones de refugiados para adentrarse en historias particulares que protagonizan algunos de ellos en países como Afganistán, Bangladesh, Francia, Grecia, Alemania, Iraq o México. Se trata de un trabajo global que ha incorporado hasta a una docena de profesionales tras las cámaras, incluido el prestigioso Christopher Doyle o el propio Ai Weiwei, utilizando desde cámaras de móviles hasta drones. El documental ganó hasta cinco premios centrados en los derechos humanos en el Festival de Venecia, donde compitió por el León de Oro. 

Icarus (2017)
Bryan Fogel
EE.UU.

También consiguió un Premio Especial del Jurado, y el Premio del Público en Sundance esta producción de Showtime y BBC que se centra en el mundo del dopaje. Su director, Bryan Fogel, buscó la colaboración de un científico ruso para experimentar en su propio cuerpo un elaborado programa de dopaje, pero poco a poco, se vio envuelto en mitad de las acusaciones que se hicieron al gobierno ruso de llevar a cabo un auténtico sistema fraudulento de dopaje en los deportistas que acudieron a los últimos cuatro Juegos Olímpicos. Grigory Rodchenko se convirtió en uno de los principales testigos contra el gobierno ruso, y tuvo que huir a Estados Unidos acogido por el propio Bryan Fogel (en la actualidad se encuentra en un programa de testigos protegidos del FBI porque se teme por su vida). De esta forma, lo que comienza como un documental en torno al dopaje se convierte en un thriller de espionaje que resulta impactante porque son los propios cineastas los que toman protagonismo como actores necesarios. Estamos sin duda ante uno de los documentales más reveladores de este año, al que no le faltó controversia en su pase en el Festival de Sundance, con presiones de la diplomacia rusa, y posterior modificación en el montaje tras la compra por parte de Netflix.


Jane (2017)
Firas Fayyad, Steen Johannness
EE.UU.

Uno de los principales favoritos de cara a los Oscar es este nuevo retrato de la científica Jane Goodall producido por National Geographic. Protagonista ya de otras películas, incluso de ficción, como Gorilas en la niebla (Michael Apted, 1988), por la que Sigourney Weaver ganó el Oscar como Mejor Actriz, la doctora Goodall viene trabajando desde hace años en el estudio de diferentes razas de primates, especialmente chimpancés. Lo que hace que este documental tenga una especial relevancia es la excelencia de su realización, con imágenes ciertamente espectaculares, una espléndida fotografía de Ellen Kuras, nominada al Oscar por su trabajo en The Betrayal - Nerakhoon (Ellen Kuras, Thavisouk Phrasavath, 2008) y una magnífica banda sonora firmada por Philip Glass que debería estar entre las nominadas al Oscar, aunque parece ciertamente difícil. Al margen de ofrecernos un retrato más o menos preciso de los trabajos de la doctora, este documental habla de la pasión por el estudio científico y de la magnificencia de la naturaleza y el reino animal. Y consigue lo que parece muy difícil: ofrecernos aspectos desconocidos de la trayectoria de esta mujer que ha dedicado toda su vida a encontrar un espacio entre animales cuyo comportamiento sigue descubriéndonos aspectos singulares.   

LA 92 (2017)
Daniel Lindsay, T.J. Martin
EE.UU.

Este año hemos asistido a varios recordatorios sobre diversos disturbios que han tenido lugar en los Estados Unidos en las últimas décadas. En Detroit (Kathryn Bigelow, 2017), la directora se centraba en los que protagonizó en los años 60 un barrio pobre contra la brutalidad de la policía local hacia los afroamericanos, mientras que en el documental de Netflix Whose streets? (Sabaah Folayan, Davom Davis, 2017) se narraban los hechos acontecidos en Ferguson tras la muerte del joven Mike Brown a manos de un policía. Por su parte, en esta producción los directores utilizan exclusivamente material de archivo para narrar, con singular contundencia, los acontecimientos que se gestaron en la ciudad de Los Angeles tras la paliza que dio un grupo de policías a Rodney King. Producido por National Geographic, se trata de uno de los mejores documentales del año, dotado de un excelente trabajo de montaje del innumerable material de archivo con el que han contado los directores. Es un trabajo minucioso que evita las consabidas entrevistas para descubrir imágenes sorprendentes y potentes que narran por sí solas los acontecimientos. Lejos de cierta subjetividad presente en otras de las producciones mencionadas, aquí nos encontramos de lleno con una realidad que tiene más grises que los que podemos imaginar. Daniel Lindsay y T.J. Martin ya tienen un Oscar por el documental Undefeated (2011), y LA 92, producido por National Geographic, consiguió un premio Emmy este mismo año. 

Last men in Aleppo (2017)
Brett Morgen
Dinamarca-Siria

La guerra de Siria también es la protagonista de este documental que ganó este año el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance. El director sirio Firas Fayyad sigue a los White Helmets (Cascos Blancos), un grupo de ciudadanos de Alepo que trabajan para rescatar a los supervivientes de los bombardeos, financiados principalmente por organismos occidentales. Pero el interés del director está en ofrecernos una visión del día a día de estos ciudadanos en su ayuda humanitaria. En este sentido, se trata de un trabajo que tiene similitudes con el cortometraje The white helmets (Orlando von Einsiedel, Joanna Natasegara, 2016), producido por Netflix, que ganó el Oscar al Mejor Cortometraje Documental en la pasada edición, lo que podría jugar en contra de su presencia en la lista de nominados. Pero el formato de largometraje permite acercarse con mayor profundidad a la vida de sus protagonistas que, entre cada intervención, tienen conversaciones en torno a la guerra y sus familias. Se trata de un documental que no resulta fácil de ver, porque no rehuye mostrar imágenes dramáticas como la de niños rescatados de los escombros que producen los bombardeos, y que especialmente se hace patente emocionalmente en un final terrible, pero al mismo tiempo coherente con la descripción de la masacre que se viene viviendo en Siria desde hace más de cinco años. 


Long strange trip (2017)
Amir Bar-Lev
EE.UU.

Entre los documentales centrados en el mundo de la música, como Gaga: Five foot two (Chris Moukarbel, 2017), Eric Clapton: Live in 12 bars (Lili Fini Zanuck, 2017), Whitney: Can I be me (Nick Bloomfield, Rudi Dolezal, 2017) o Eagles of Death: Nos amis (Our friends) (Colin Hanks, 2017), solamente ha conseguido pasar el corte de la shortlist esta producción que se centra en el grupo Grateful Dead. Esta producción en realidad se ha estrenado como una serie dividida en seis partes en la plataforma Amazon. Se trata de un minucioso trabajo cuyas cuatro horas de duración permiten al director ofrecernos una semblanza diversa y clarificadora, no solo de la propia banda, sino de una época en la que el rock se convirtió en una válvula de escape para los jóvenes. El documental sigue una estructura clásica del género, pero contiene un trabajo de montaje excepcional que mezcla imágenes de archivo y entrevistas con un ritmo intenso en todo momento, hilvanando temáticas que reflejan la diversidad de la sociedad norteamericana del momento. Sin artificios, el director Amir Bar-Levy va pasando de las historias particulares de sus miembros a la trayectoria colectiva de la banda, con la intención de mostrar la trascendencia de Grateful Dead en el universo musical del rock. 

One of Us (2017)
Heidi Ewing, Rachel Grady
EE.UU.

Las directoras de este documental ya están habituadas a tratar temas polémicos en torno a las religiones, como en el caso de aquel interesante Jesus Camp (Heidi Weing, Rachel Grady, 2006), en el que se adentraban en un campamento de niños cristianos, por el que fueron nominadas al Oscar. Ahora fijan su mirada en tres jóvenes que deciden abandonar el estilo de vida jasédico, grupo de judíos que hacen una interpretación ortodoxa de las escrituras, renunciando a todo tipo de avances tecnológicos como internet, al que consideran un peligro, e incluso prohibiendo la asistencia de sus acólitos a bibliotecas laicas. El documental consigue una ambientación opresiva con tono de thriller, especialmente en el caso de Ketty, una joven que decidió huir debido al maltrato de su marido, que en todo momento es defendido por la comunidad jasídica. Las directoras consiguen, como ya hicieran en otros trabajos, dar el ritmo adecuado a estas historias cruzadas, gracias a la dosificación adecuada de la información, que imprime ese carácter dramático a los personajes. 

Strong island (2017)
Yance Ford
EE.UU.-Dinamarca

Premio Especial del Jurado al Mejor Documental en el pasado Festival de Sundance y seleccionado para el Premio Teddy en el Festival de Berlín, estamos ante un documental personal que la directora construye como una especie de reconocimiento a su propia familia y las tragedias que han vivido a lo largo de los años, fruto de la segregación racial. Tomando como punto de partida la injusta decisión de un Gran Jurado de dejar en libertad al hombre que mató a su hermano en 1992, la directora elabora un recorrido emocional en la que ella misma es protagonista (y en cierta manera describe su propio sentimiento de culpabilidad por no haber evitado la muerte de su hermano). El documental está dirigido con talento, utilizando primeros planos en sus propias intervenciones y dotándolo de un carácter personal y, podríamos decir, de exorcismo de sus propios sentimientos. Pero sobre todo conmueven las intervenciones de su madre, profesora jubilada que hace un recorrido por cada una de las tragedias que ha tenido que vivir, muchas de ellas motivadas por prejuicios racistas. De esta forma, el conjunto funciona como catarsis familiar pero al mismo tiempo, y a pesar de una excesiva duración, también convierte un caso particular en un retrato universal que plantea una seria reflexión sobre el racismo en la sociedad norteamericana.

Unrest (2017)
Jennifer Brea
Gran Bretaña-EE.UU.

Estamos ante una historia de superación personal protagonizada por la propia directora, Jennifer Brea que decidió documentar la evolución de su extraña enfermedad cuando los primeros médicos a los que acudió le dijeron que sus problemas eran psicosomáticos. Posteriormente, le diagnosticaron Síndrome de Fatiga Crónica, una extraña dolencia que impide al cuerpo realizar casi ningún tipo de esfuerzo físico. Se trata de un documental emocionante y doloroso al mismo tiempo, porque la directora y protagonista nos muestra los momentos más íntimos de una enfermedad crónica que afecta a sus relaciones y, en cierta manera también, a su matrimonio. Y en este sentido estamos ante una valiente y descarnada visión de las dificultades que estos enfermos tienen que enfrentar diariamente. Jennifer Brea incluso realiza entrevistas a otros afectados por el SFC en todo el mundo, a través de videoconferencia o de equipos de rodaje locales. Ganador del Premio al Mejor Montaje en el Festival de Sundance, parece uno de estos documentales que tienen todos los ingredientes para alcanzar al menos una nominación a los Oscar. 

Una verdad muy incómoda: Ahora o nunca (2017)
Bonni Cohen, Jon Shenk
EE.UU.

El ex-vicepresidente Al Gore regresa a la pantalla diez años después tras el éxito de su documental Una verdad incómoda (David Guggenheim, 2006), ganador del Oscar, en el que planteaba los peligros del cambio climático a través de las diversas conferencias que viene dando a lo largo del mundo. Esta segunda parte busca ahondar más en la problemática, aunque tiene también el principal defecto de aquél, que es el excesivo protagonismo del personaje. Sin embargo, hay que decir que resulta un significativo toque de atención y de reflexión sobre lo que ha ocurrido en nuestro planeta a lo largo de estos diez años. Por ejemplo, en Una verdad incómoda se planteaba la posibilidad de una inundación que cubriría parte del Memorial World Trade Center, que muchos calificaron de exagerada. Ahora, Al Gore muestra en sus conferencias la inundación que sufrió Nueva York debido al huracán Sandy de 2012. Resulta por tanto clarificador el mensaje que sigue ofreciendo Al Gore, cuyos esfuerzos por luchar contra los discursos que niegan el calentamiento global son continuos. El documental tiene altibajos en su interés, y es más interesante cuando se centra en la parte principal de su contenido que cuando lo hace en las reuniones protagonizadas por el personaje principal. Pero sin duda se trata de un planteamiento necesario. 

Visages, villages (2017)
JR, Agnès Varda
Francia

Como decíamos antes, veteranos como Frederick Wiseman o Agnès Varda están presentes este año entre los posibles candidatos al Oscar. La cineasta es todo un clásico en el género documental desde que comenzara a trabajar en los años cincuenta, siempre interesada en los aspectos humanos de las historias que cuenta, pero también siempre con una mirada que, sin evitar el realismo, también se decanta por un punto de vista poético. En su último documental, recorre la Francia rural (esa que hemos visto también en muchas otras obras suyas), con el fotógrafo/muralista JR para mostrar un retrato del ser humano en su condición más natural. Estamos ante un trabajo que viene marcado por la personalidad de su directora, y que no solo se acerca a la visión que tienen estos dos improvisados viajantes, sino que también conecta con esa Nouvelle Vague de la que formó parte tangencialmente la cineasta, con imágenes de archivo de directores como Jean-Luc Godard. Estamos ante un viaje con destino conocido, sin rumbo, que nos descubre paisajes singulares y, sobre todo, retratos humanos que conforman un excelente fresco documental. 



Las nominaciones a los Oscar se darán a conocer el 23 de enero. 


23 diciembre, 2017

Cortometrajes documentales camino del Oscar

La Academia de Hollywood ha dado a conocer las short lists de este año en las categorías de cortometrajes. 20 películas preseleccionadas, en los apartados de Animación y Documental, que forman un interesante compendio de producciones de corta duración que, en muchos casos pasan desapercibidas a pesar de sus valores cinematográficos. En este post repasamos la lista de 10 cortometrajes documentales que optan a las nominaciones de los Oscar, y en próximas posts hablaremos de los largometrajes documentales que finalmente han sido pre-seleccionados. 

Alone (Garret Bradley, 2017)
The New York Times 

La cineasta nacida en Nueva Orleans Garret Bradley logró el Premio del Jurado en el Festival de Sundance por esta mirada de 13 minutos a una joven que reflexiona sobre su relación con un hombre encarcelado. En el trasfondo se encuentra la situación de ese encarcelamiento "masivo" de personas de raza negra que forma parte del sistema penitenciario norteamericano, visto desde la mirada de esta joven, madre soltera, y a través de una estilizada fotografía en blanco y negro y un sentido del encuadre sobresaliente. Este documental forma parte de la serie Op-Docs, que el periódico The New York Times puso en marcha hace seis temporadas y que cada año ofrece, a través de su página web, una serie de cortos documentales que cuentan con la participación financiera del propio periódico. Se trata de una temática que podemos ver en otras producciones de largometraje, pero que en este caso cuenta con esa mirada personal y particular de una joven que refleja la situación de muchas familias afroamericanas. 



Edith+Eddie (Laura Checkoway, 2017)
Heart is Red y Kartemquin Films

Esta es una triste historia que se centra en una pareja casada con 95 y 96 años, convirtiéndose así en el matrimonio interracial más longevo de Norteamérica, cuya estabilidad se ve amenazada por una disputa familiar y la intención de una de sus hijas de separarlos. Emotivo documental que ha conseguido ya algunos premios destacados y se ha podido ver en festivales de prestigio como los de Sheffield o HotDocs. Sin duda puede ser uno de los favoritos de los Oscar, porque, al margen de un trabajo de dirección notable y un excelente sentido de la oportunidad que refleja el buen hacer de la directora, entre sus padrinos están dos nombres destacados como productores: Steve James, conocido director de documentales como el excelente Hoop Dreams (Steve James, 1994), nominado al Oscar, y que este año también opta a las nominaciones por el largometraje documental Abacus: Small enough to mail (Steve James, 2017), y la actriz y cantante Cher, que se involucró de lleno con el matrimonio protagonista cuando oyó hablar de ellos en las noticias, y que aquí también ejerce como productora. 





Heaven is a traffic jam on the 405 (Frank Stiefel, 2016)
Stiefel & Co.

El título del documental proviene de una frase que dice la propia protagonista: "Para mí, el paraíso es un atasco de tráfico en la autopista 405". Esta curiosa frase refleja, en sí, buena parte de la personalidad de la artista Mindy Alper, atormentada por la ansiedad y un desorden neurológico que la ha llevado a profundas depresiones a lo largo de toda su vida. El director se acerca a ella a través de entrevistas personales en las que refleja su estado crónico de aislamiento (ese mismo que puede "disfrutar" dentro de su coche en un atasco de tráfico), pero que al mismo tiempo la conduce a esa capacidad creadora que finalmente la llevó a exponer sus esculturas realizadas en papel, en las que consigue reflejar la emoción y el sentimiento a través de minuciosos bustos de algunas de las personas que han tenido importancia en su vida. Resulta alentador y sorprendente descubrir a esta artista a través de un documental intenso que, sin embargo, no está entre los favoritos para llegar a las nominaciones, pero que merece la pena disfrutarse. 





Heroin(e) (Elaine McMillion, 2017)
Netflix

La cadena de pago presenta su anual propuesta para los Oscar con este cortometraje que estrenó el pasado mes de septiembre, y que se centra en tres mujeres que, de diferente forma, se enfrentan a la problemática de las drogas en la ciudad industrial de Huntington, Virginia Oeste, una de las más devastadas por el uso de la heroína, con un índice de sobredosis 10 veces superior a la media en los Estados Unidos. Contundente incursión en el mundo de la drogadicción que muestra con esa crudeza que suelen dar las historias reales una realidad que se convierte en una de las mayores pesadillas para quienes la sufren. La directora estructura con inteligencia estos tres canales de apoyo a los drogadictos que tienen como protagonistas a tres "heroínas" que componen un fresco certero en torno a ese mundo oscuro de los suburbios y la prostitución. Y aunque es un documental realizado con buen pulso, no plantea grandes hallazgos en torno a esta problemática, habitual en el género que nos ocupa. 





Kayayo - The living shopping baskets (Mari Bake Riise, 2016)
Integral Films

Esta producción noruega nos traslada a la ciudad africana de Cara, en Ghana, donde deambulan 10.000 niñas trabajando como transporte de grandes paquetes para los principales mercados de la ciudad. Su protagonista, Bamunu, es una niña de 8 años que no ha visto a su familia desde hace dos, después de haber sido llevada a la ciudad para que trabajara como "kayayo", y que cuenta también sus sueños de convertirse en abogada en un futuro. En los dos años que trayectoria de este documental, ha recorrido numerosos festivales de cine internacional ya ha acaparado una veintena de premios que lo han situado en una posición privilegiada para esta shortlist, aunque posiblemente no es de los que tiene más posibilidades de cara a las nominaciones. 





Knife skills (Thomas Lennon, 2017)
TFL Films

Sin duda, más posibilidades tiene este cortometraje, a tenor de la trayectoria de su director, tres veces nominado en esta categoría, y ganador de un Oscar por el cortometraje The blood of Yingzhou District (Thomas Lennon, Ruby Yang, 2006). En este ocasión, el veterano director y productor nos presenta una historia singular en torno a un restaurante inaugurado en Cleveland que tiene como objetivo conseguir una estrella Michelin gracias a su carta de influencia francesa, pero con la particularidad de que todo su personal está formado por presos que han cumplido su condena y tratan de rehabilitarse en la sociedad demostrando sus habilidades en La Cocina y en el servicio. Durante los 40 minutos que dura, este cortometraje nos habla de la capacidad del hombre para corregir sus errores y de la fortaleza para encontrar un camino hacia la reinserción.





116 cameras (Davina Pardo, 2017)
Birdling Films

También forma parte de la selección presentada en la serie de documentales Op-Docs del New York Times esta producción en torno a supervivientes del holocausto nazi que se incorpora a un ambicioso proyecto de realidad virtual con el que se pretende grabar, para la posterioridad, los testimonios de algunos de estos supervivientes que, posteriormente, pueden formar parte de coloquios interactivos con generaciones futuras. 116 cámaras capturan cada uno de los gestos de sus protagonistas, y especialmente asistimos a la sesión de grabación de una superviviente de Auschwitz, Eva Schloss, hermanastra de Anne Frank. La directora, Davina Pardo, ha ganado varios premios Emmy pos sus trabajos en televisión y ha trabajado recientemente en un largometraje documental para HBO, Very semi-serious (Davina Pardo, 2015), siendo ahora la responsable de un documental que, aunque resulta anecdótico más que relevante, podría llevarla a las puertas del Oscar. 





Ram Dass, going home (Derek Peck, 2017)
Further Pictures

Ram Dass fue uno de los personajes más influyentes de la cultura y la espiritualidad en los años 60 y 70, que experimentó con el LSD como vehículo de expansión de la consciencia e influyó en los maestros espirituales de posteriores generaciones. Este acercamiento, cuando se encuentra ya al final de su vida, funciona casi como una especie de continuación de aquel documental, Ram Dass, Fierce Grace (Mickey Lemle, 2001), que se acercó a la figura de este singular personaje y de metodología espiritual. Derek Peck elabora aquí un viaje poético hacia esta figura influyente que, desde que sufrió una apoplejía hace veinte años, se retiró a su casa de Maui. Producido en parte a través del portal de contribuciones privadas Kickstarter, esta producción funciona como crónica diaria del protagonista, así como una mirada poética a su particular forma de enfrentarse al final de su vida.  





Hopptornet (Ten Meter Tower) (Axel Danieldson, Maximilien van Aertryck, 2016)
Plattfrom Produktion

Esta producción sueca es uno de los documentales más singulares de esta preselección. Presentado en la secciones oficiales de prestigiosos festivales como Berlín o Clermont-Ferrand, donde ganó el Premio Especial del Jurado, nos acerca a los miedos más profundos dela naturaleza humana, especialmente a ese miedo casi obsesivo por las alturas que experimentan la mayor parte de los protagonistas de este corto. Con una cámara estática y la pantalla dividida, asistimos durante 16 minutos a los temores que sufren un grupo de personas que se enfrentan por primera vez a saltar a una piscina desde una altura de 10 metros. Este planteamiento técnico sencillo esconde, sin embargo, un acercamiento preciso y certero a los curiosos y extraños comportamientos que provoca el miedo. No hay entrevistas ni explicaciones, solo una mirada voyeur al sentimiento humano. 





Traffic stop (Kate Davis, 2017)
Q-Ball Productions

Ganador del Premio Especial del Jurado en el Festival DOC NYC, esta producción de HBO se centra en la historia de una mujer que vivió una experiencia singular con la policía. Detenida por un control de tráfico rutinario, los acontecimientos acabaron desembocando en un arresto dramático en el que ella fue la involuntaria protagonista. La directora Kate Davis y el productor David Heilbroner son dos veteranos cineastas de documentales que han recibido varias nominaciones a los premios Emmy. 



Las nominaciones a los Oscar se darán a conocer el 23 de enero. 

16 diciembre, 2017

Los Globos de Oro marcan las películas de los Oscar


La carrera hacia los Oscar viene cada año marcada por los premios de la crítica, pero sobre todo por las nominaciones a los Globos de Oro, que concede la crítica extranjera en Los Angeles, y que se ha convertido en un ensayo general de la ceremonia de los Oscar. El año pasado, los Globos de Oro reconocieron a La ciudad de las estrellas - La La Land (Damien Chazelle, 2016) con siete galardones,  y finalmente logró seis Oscar. Pero también es cierto que la separación entre drama y comedia deja fuera a algunas películas destacadas, quizás no tanto en la principal categoría, sino sobre todo en las de interpretación. Lo que es cierto es que ya hay títulos que parecen claros contendientes en los Oscar: este año el drama Llámame por tu nombre (Luca Guadagnino, 2017) es el sleeper indi gay que sustituye a la sorpresa del año pasado, Moonlight (Barry Jenkins, 2016), aunque  sorprende la ausencia de un recuperado James Ivory en la nominación a Mejor Guión, que en los Oscar, con la división entre guiones adaptados y originales, debería suplirse. Por ende, otras películas como Los archivos del Pentágono (Steven Spielberg, 2017), Dunkerque (Christopher Nolan, 2017) o incluso La forma del agua (Guillermo del Toro, 2017), que se ha colado en las últimas semanas en los principales premios de la crítica, tienen claras posibilidades de ser contendientes duros en la carrera hacia los Oscar. 

Destaca la presencia de mucho cine independiente en las nominaciones, como Lady Bird (Greta Gewig, 2017), Yo, Tonya (Craig Gillespie, 2017) o Déjame salir (Jordan Peele, 2017), una de las sorpresas del cine de terror de esta temporada, incluida sorprendentemente en la categoría de Comedia o Musical, y con la notable ausencia de su director entre los nominados. Y sorprende también la presencia de Ridley Scott como director por Todo el dinero del mundo (Ridley Scott, 2017), película ni siquiera presentada todavía a la prensa que sufrió el cambio de protagonista cuando Kevin Spacey fue despedido por las acusaciones de abuso sexual, y sustituido a última hora por Christopher Plummer, que logra incluso una nominación como actor. 

Este año parece que va a ser el de la recuperación de grandes veteranos en la categoría de interpretación. Nada menos que Tom Hanks, Meryl Streep, Gary Oldman, Denzel Washington, Willem Dafoe, Judi Dench, Helen Mirren, en cine, y Nicole Kidman, Robert De Niro, Geoffrey Rush, Susan Sarandon o Jessica Lange, en televisión, se disputan las principales categorías. Aunque algunos de ellos no llegarán a los Oscar, parece que viviremos en la próxima edición de los Oscar un homenaje a la veteranía frente a las nuevas generaciones que han venido siendo reconocidos en los últimos años. 

En el apartado musical, pocas sorpresas. John Williams (que podría hacer doblete un año más en los Oscar con su otro trabajo, Stars Wars: Episodio VIII - Los últimos Jedi (Rian Johnson, 2017), que llega esta semana a los cines) o Hans Zimmer tienen claras opciones para los Oscar, mientras que Alexander Desplat es más reconocido por la crítica extranjera que por la Academia de Hollywood, pero se puede ver beneficiado por las posibles nominaciones de La forma del agua (Guillermo del Toro, 2017). Y se incorporan dos nombres que hasta el momento no estaban en las quinielas, Jonny Greenwood por su trabajo en El hilo invisible (Paul Thomas Anderson, 2017), película que para muchos merecería haber tenido mejor presencia en los Globos de Oro, y Cárter Burwell por su certero pero tampoco especialmente notable banda sonora para Tres anuncios en las afueras (Marin MacDonagh, 2017). Para nosotros, hubiera merecido estar entre los nominados el espléndido trabajo de Dario Marianelli para El instante más oscuro (Joe Wright, 2017). 

En el apartado de película extranjera, curiosa la presencia de la película First they killed my father (Angelina Jolie, 2017), que también representa a Camboya en la lista presentada a la Academia de Hollywood, y buenas posibilidades para la chilena Una mujer fantástica (Sebastián Leila, 2017) y la comedia sueca The Square (Ruben Östlund, 2017), mientras que el drama sobre terrorismo de Fatih Akin, In the fade (Fatih Akin, 2017) no parece que tenga tantas posibilidades de cara a los Oscar, a pesar del premio de interpretación en Cannes para su protagonista, Diane Kruger. 

En el apartado televisivo, frente a la ausencia de producciones notables como Taboo (FX, 2017-) o American Gods (Starz!, 2017-), la incorporación de Big little lies (HBO, 2017-), que prepara ya su segunda temporada, en las categorías interpretativas parecía clara, siendo la favorita también como Mejor Miniserie, mientras que encontramos a habituales de los Globos de Oro como Juego de tronos (HBO, 2011-) y nuevas incorporaciones como The Crown (Netflix, 2016-), que acaba de estrenar segunda temporada, o El cuento de la criada (HBO, 2017-). 

HBO sigue siendo la máxima nominada en la categoría de televisión, con 15 candidaturas, mientras que Netflix parece tener este año una presencia más destacada en el apartado cinematográfico, con tres nominaciones por First they killed my father (Angelina Jolie, 2017) y Mudbound (Dee Rees, 2017), consiguiendo en el apartado televisivo 8 nominaciones que seguramente les saben a poco.


MEJOR PELÍCULA - DRAMA

Llámame por tu nombre, Luca Guadagnino
Dunkerque, Christopher Nolan
Los archivos del Pentágono,  Steven Spielberg
La forma del agua, Guillermo del Toro
Tres anuncios en las afueras, Martin MacDonagh

MEJOR PELÍCULA - COMEDIA O MUSICAL

Lady Bird, Greta Gerwig
The disaster artist, James Franco
Déjame salir, Jordan Peele
El gran showman, Michael Gracey
Yo, Tonya, Craig Gillespie

MEJOR DIRECTOR

Guillermo del Toro por La forma del agua
Martin MacDonagh por Tres anuncios en las afueras
Christopher Nolan por Dunkerque
Ridley Scott por Todo el dinero del mundo
Steven Spielberg por Los archivos del Pentágono

MEJOR ACTRIZ - DRAMA

Jessica Chastain por Molly's game, Aaron Sorkin
Sally Hawkins por La forma del agua, Guillermo del Toro
Frances McDormand por Tres anuncios en las afueras, Martin MacDonagh
Meryl Streep por Los archivos del Pentágono, Steven Spielberg
Michelle Williams por Todo el dinero del mundo, Ridley Scott

MEJOR ACTOR - DRAMA

Timothée Chalamet por Llámame por tu nombre, Luca Guadagnino
Daniel Day-Lewis por El hilo invisible, Paul Thomas Anderson
Tom Hanks por Los archivos del Pentágono, Steven Spielberg
Gary Oldman por El instante más oscuro, Joe Wright
Denzel Washington por Roman J. Israel, Esq., Dan Gilroy

MEJOR ACTRIZ - MUSICAL O COMEDIA

Judi Dench por La reina Victoria y Abdul, Stephen Frears
Helen Mirren por El viaje de sus vidas, Paolo Virzi
Margot Robbie por Yo, Tonya, Craig Gillespie
Saoirse Ronan por Lady Bird, Greta Gerwig
Emma Stone por La batalla de los sexos, Jonathan Dayton, Valerie Faris

MEJOR ACTOR - MUSICAL O COMEDIA

Steve Carell por La batalla de los sexos, Jonathan Dayton, Valerie Faris
Ansel Elgort por Baby driver, Edgar Wright
James Franco por The disaster artist, James Franco
Hugh Jackman por El gran showman, Michael Gracey
Daniel Kaluuya por Déjame salir, Jordan Peele

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Hong Chau por Una vida a lo grande (Downsizing), Alexander Payne
Allison Janney por Yo, Tonya, Craig Gillespie
Laurie Metcalf por Lady Bird, Greta Gerwig
Octavia Spencer por La forma del agua, Guillermo del Toro
Mary J. Blige por Mudbound, Dee Rees

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Willem Dafoe por The Florida project, Sean Baker
Armie Hammer por Llámame por tu nombre, Luca Guadagnino
Richard Jenkins por La forma del agua, Guillermo del Toro
Christopher Plummer por Todo el dinero del mundo, Ridley Scott
Sam Rockwell por Tres anuncios en las afueras, Martin MacDonagh

MEJOR GUIÓN

Guillermo del Toro y Vanessa Taylor por La forma del agua, Guillermo del Toro
Greta Gerwig por Lady Bird, Greta Gerwig
Liz Hannah y Josh Singer por Los archivos del Pentágono, Steven Spielberg
Martin MacDonagh por Tres anuncios en las afueras, Martin MacDonagh
Aaron Sorkin por Molly's game, Aaron Sorkin

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

The breadwinner, Nora Twomey
Coco, Lee Unkrich, Adrián Molina
Ferdinand, Carlos Saldanha
Loving Vincent, Dorota Kobiela, Hugh Welchman
El bebé jefazo, Tom McGrath

MEJOR PELÍCULA DE LENGUA EXTRANJERA

Una mujer fantástica, Sebastián Lelio (Chile)
First they killed my father, Angelina Jolie (Camboya)
In the fade, Fatih Akin (Alemania-Francia)
Sin amor (Loveless), Andrey Zvyagintsev (Rusia)
The square, Ruben Östlund (Suecia)

MEJOR BANDA SONORA

Carter Burwell por Tres anuncios en las afueras, Martin MacDonagh
Alexandre Desplat por La forma del agua, Guillermo del Toro
Jonny Greenwood por El hilo invisible, Paul Thomas Anderson
John Williams por Los archivos del Pentágono, Steven Spielberg
Hans Zimmer por Dunkerque, Christopher Nolan

MEJOR CANCIÓN

"Home", Nick Jonas, Justin Tranter, Nick Monson por Ferdinand, Carlos Saldanha
"Mighty River", Mary J, Blige, Raphael Saadiq, Taura Stinson por Mudbound, Dee Rees
"Remember me", Kristen Anderson López, Robert López por Coco, Lee Unkrich, Adrián Molina
"The Star", Mariah Carey, Marc Shaiman por Se armó el belén, Timothy Reckhart
"This is me", Benj Pasek, Justin Paul por El gran showman, Michael Gracey

MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN - DRAMA

Juego de tronos (HBO, 2011-)
El cuento de la criada (HBO, 2017-)
Stranger things (Netflix, 2016-)
This is us (NBC, 2016-)
The Crown (Netflix, 2016-)

MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN - COMEDIA O MUSICAL

Black-ish (ABC, 2014-)
The marvelous Mrs. Maisel (Amazon, 2017-)
Master of none (Netflix, 2016-)
SMILF (Showtime, 2017-)
Will & Grace (NBC, 1998-)

MEJOR MINISERIE

Big little lies (HBO, 2017-)
Fargo (FX, 2016-)
Feud: Bette and Joan (FX, 2017)
The sinner (USA, 2017)
Top of the lake: China girl (Sundance TV, 2013-)

MEJOR ACTRIZ DE MINISERIE

Nicole Kidman por Big little lies (HBO, 2017-)
Jessica Lange por Feud: Bette and Joan (FX, 2017)
Susan Sarandon por Feud: Bette and Joan (FX, 2017)
Reese Whiterspoon por Big little lies (HBO, 2017-)
Jessica Biel por The sinner (USA, 2017)

MEJOR ACTOR DE MINISERIE

Robert De Niro por The wizard of lies (HBO, 2017)
Jude Law por The young Pope (HBO, 2016-)
Kyle MacLachlan por Twin Peaks (Showtime, 2017)
Ewan McGregor por Fargo (FX, 2016-)
Geoffrey Rush por Genius I: Einstein (National Geographic, 2017-)

MEJOR ACTRIZ DE SERIE - DRAMA

Caitriona Balfe por Outlander (Starz, 2014-)
Claire Foy por The Crown (Netflix, 2016-)
Maggie Gyllenhal por The Deuce (HBO, 2017-)
Katherine Langford por 13 reasons why (Netflix, 2017-)
Elisabeth Moss por El cuento de la criada (HBO, 2017-)

MEJOR ACTOR DE SERIE - DRAMA

Jason Bateman por Ozark (Netflix, 2017-)
Sterling K. Brown por This is us (NBC, 2016-)
Freddie Highmore por The good doctor (ABC, 2017-)
Bob Odenkirk por Better call Saul (AMC, 2015)
Liev Schreiber por Ray Donovan (Showtime, 2013-)

MEJOR ACTRIZ DE SERIE - COMEDIA

Pamela Adlon por Better things (FX, 2016-)
Alison Brie por GLOW (Netflix, 2017-)
Rachel Brosnahan por The marvelous Mrs. Maisel (Amazon, 2017-)
Issa Rae por Insecure (HBO, 2016-)
Frankie Shaw por SMILF (Showtime, 2017-)

MEJOR ACTOR DE SERIE - COMEDIA

Aziz Ansari por Master of none (Netflix, 2016-)
Kevin Bacon por I love Dick (Amazon, 2016-)
William H. Macey por Shameless (Showtime, 2011-)
Erick McCormack por Will & Grace (NBC, 1998-)
Anthony Anderson por Black-ish (ABC, 2014-)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE, MINISERIE O TV MOVIE

Laura Dern por Big little lies (HBO, 2017-)
Anne Dowd por El cuento de la criada (HBO, 2017-)
Chrissy Metz por This is us (NBC, 2016-)
Michelle Pfeiffer por The wizard of lies (HBO, 2017)
Shailene Woodley por Big little lies (HBO, 2017-)

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN SERIE, MINISERIE O TV MOVIE

David Harbour por Stranger things (Netflix, 2016-)
Alfred Molina por Feud: Bette and Joan (FX, 2017)
Christian Slater por Mr. Robot (USA, 2015-)
Alexander Skarsgård por Big little lies (HBO, 2017-)
David Thewlis por Fargo (FX, 2016-)






Mudbound se puede ver en Netflix

Una vida a lo grande (Downsizing) y Ferdinand se estrenan el 22 de diciembre
The disaster artist y El gran showman se estrenan el 29 de diciembre

Molly's game se estrena el 5 de enero
Tres anuncios en las afueras, El instante más oscuro y Loving Vincent se estrenan el 12 de enero
Los archivos del Pentágono se estrena el 19 de enero

Todo el dinero del mundo, El hilo invisible y El viaje de sus vidas se estrenan el 2 de febrero
Roman J. Israel, Esq. y The Florida project se estrenan el 9 de febrero
Llámame por tu nombre y La forma del agua se estrenan el 16 de febrero
Yo, Tonya se estrena el 23 de febrero

Lady Bird se estrena el 13 de abril